Nuevas imágenes de Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton

Ultimamente tengo el blog un poco abandonado, pero no he podido resistirme a poner estas imágenes de “Alicia en el País de las Maravillas” la próxima película de Tim Burton. Sólo puedo decir que son impresionantes, hacía mucho tiempo que unas imágenes de un próximo estreno no me llamaban la atención como éstas, lo mejor: la caracterización de Johnny Depp, aunque la de Helena Bonham Carter tampoco tiene desperdicio.
Y pensar que hay que esperar hasta marzo de 2010 para verla…

Elfen Lied

Elfen Lied es un anime de 13 capítulos basado en el manga al cual es fiel hasta el capítulo 11, los dos últimos capítulos toman un rumbo diferente y la historia acaba de manera totalmente diferente a como termina en el manga.

Elfen Lied está dirigido a un público adulto dada la cantidad de escenas con desnudos, gore y violencia física y psicológica que presenta, siendo principalmente categorizado en los géneros de seinen, ecchi y terror. El nombre “Elfen Lied” es alemán y significa “canción élfica”, su origen es el lied Elfenlied del compositor austríaco Hugo Wolf, basado en el poema homónimo del escritor alemán Eduard Mörike. (Wikipedia")

Los diclonius (humanos con dos pequeños cuernos) son unos mutantes con un don que se le podría denominar como un sexto sentido. Estos seres tienen el poder necesario como para eliminar toda la humanidad. La humanidad está preocupada, y comienza a estudiarlos para buscar un remedio. Lucy, uno de los diclonius, se escapa de su cámara de contención, matando a todo aquél que se interpone en su camino, hasta caer al mar... Al día siguiente acaba en una playa, donde Kouta y Yuka la encuentran y la alojan en su casa, Lucy no recuerda nada y se ha convertido en una inocente chica que ni siquiera sabe hablar.

Este anime es muy especial, empezando con el opening, uno de los mejores que he visto, donde se escucha una canción inolvidable llamada “Lillium”, que también tiene un papel importante en la historia, la letra está en latín y mezcla algunos pasajes bíblicos e himnos religiosos. En las imágenes que aparecen en el opening aparecen los personajes de la serie pintados con un estilo inspirado en el pintor simbolista Gustav Klimt.

Lucy es la primera diclonius, la original, las que nacieron después son “silpelit”. Todo comienza cuando ella escapa del centro donde la tienen recluida provocando una matanza, al ser herida en la cabeza mientras escapa pierde la memoria y se convierte en la dulce e inocente “Nyu” que convive junto a Kouta y Yuka, que la encuentran casualmente en la playa, ellos son una pareja de primos que tienen una relación más allá de la puramente familiar. Lucy tiene ciertos momentos en los que despierta y recupera la memoria, pero siempre vuelve a ser “Nyu”, que no sería capaz de matar ni a una mosca. Según va a avanzando la historia descubrimos el pasado de Lucy, de Kouta y Yuka y todo va encajando poco a poco creando una historia triste y muy dura, tan dura que hay algunas escenas muy difíciles de ver y digerir, no por lo gore que son, sino por la extrema crueldad que representan.

Pero Elfen Lied no tiene sólo extrema crueldad, también tiene momentos de comedia, de amor y de ternura, la ternura enmedio de la crueldad más extrema es lo que caracteriza a este anime y por eso es tan impactante, además de por tener una historia inolvidable de nostalgia, tristeza, crueldad y amor.

Trailer de Sherlock Holmes

Ya ha salido el trailer de una nueva versión sobre el detective por excelencia, creado por Arthur Conan Doyle. Sherlock Holmes será interpretado por Robert Downey Jr. y Watson por Jude Law.
La pareja protagonista no podría ser mejor: Robert Downey Jr., cada vez mejor actor y Jude Law, parece que hay muy buena química entre ellos, aunque habrá que esperar a ver la película, lo peor de todo es que hasta enero de 2010 no llegará a España y seguramente a lo largo de los meses que quedan irán saliendo más imágenes, trailers,etc para ponernos la miel en los labios hasta que se estrene.

El director es Guy Ritchie, no tengo mucha confianza en él, porque aunque Snatch, cerdos y diamantes me gustó, también fue capaz de hacer un bodrio como “Barridos por la Marea”, el trailer tampoco se puede considerar que sea muy orientativo de lo que será finalmente la película porque la mayoría de las veces los trailers no tienen nada que ver con lo que es en realidad la película,  intentan vender algo más comercial para atraer a más público.

Abajo el Telón (Cradle Will Rock)

Un tapiz de la vida en Nueva York en la dura década de los 30, durante la que artistas y obreros unieron fuerzas para luchar por la libertad de expresión, en una revolución cultural sin precedentes. La vinculación de la clase rica en proyectos culturales, Nelson Rockefeller y Diego Ribera, un Orson Welles con 22 años dirigiendo el Grupo de Teatro Federal en una infame producción de "The Cradle Will Rock", cancelada por el ejército en la víspera de su estreno, y todo un abanico de referencias históricas a aquella excitante y peligrosa época de la historia americana, cuando el coraje individual se enfrentaba cara a cara con la censura. (FILMAFFINITY).

Tim Robbins escribe y dirige una película con un ritmo trepidante y con un plantel de actores enorme, cada uno de ellos está perfecto en su papel, aunque yo destacaría a Bill Murray, que interpreta a un ventrílocuo con un halo de tristeza que al final descubre su verdadera cara a través de su muñeco en una de las mejores y más emocionantes escenas del film.

Hank Azaria también tiene momentos sublimes interpretando al autor de la obra, vemos como se va gestando la obra rodeado a la vez de sus propios fantasmas y del agitado presente que le inspira.
La obra que escribe trata sobre la prostitución, pero no sólo de la que se veían obligadas a ejercer muchas chicas durante la Gran Depresión a causa de la pobreza, sino también la prostitución del Estado, de la Iglesia, los sindicatos e incluso de los propios artistas.
Era una obra polémica y en aquella época se estaba fraguando la locura absurda que más tarde se conocería como la “caza de brujas”. Las sospechas de un grupo de políticos ignorantes de que los comunistas estaban dentro del Teatro Federal hicieron que se suspendieran todas las obras que iban a ser estrenadas, incluyendo The Cradle Will Rock, los militares tomaron el teatro y los sindicatos prohibieron a los actores y a los músicos actuar justo el día antes del estreno. Tim Robbins nos enseña de manera magistral todo lo que ocurre a partir de ese momento, es evidente el amor con que trata a esos personajes que amaban el arte por encima de todo, se echan a la calle junto al público que había ido a ver su obra y consiguen interpretarla en otro teatro, aunque en principio iba a actuar el autor sólo con el piano, por ser el único que no pertenece a un sindicato, pero al final de entre el público salen los verdaderos actores y cantan y actúan en el gran momento clímax de la película.

No sólo son los actores acuciados por la pobreza los protagonistas de esta historia, también están los ricos y poderosos que trafican con arte, negocian con fascistas como Mussolini y al mismo tiempo intentan que los artistas se sometan a su voluntad por un precio, pero no todos están dispuestos a prostituir su arte, como Diego Rivera no estuvo dispuesto a ceder ante las presiones de Rockefeller.

Por la gran cantidad de personajes y el ritmo trepidante que tiene la película en algunas ocasiones se podría haber convertido en una maraña imposible de seguir, sin embargo está todo perfectamente hilado, la cámara nos lleva al lugar justo en el momento justo y cuando la película acaba sientes haber vivido un espectáculo único que te deja un sabor agridulce con el último plano donde se nos muestra la actualidad, todo plagado de publicidad de grandes corporaciones, ¿la lucha sirvió para algo?

Trailer en inglés

Extraños en un tren

Extraños en un Tren no es una de las películas de Hitchcock más conocidas por el gran público, fue rodada en 1951, antes de los grandes éxitos de la carrera del director (Psicosis, La Ventana Indiscreta, Con la muerte en los talones…) y después de dos fracasos en taquilla, Atormentada y Pánico en la Escena.

Basada en una novela de Patricia Highsmith, el propio Hitchcock. eligió la historia, en principio parecía una novela difícil de adaptar al cine pero él consiguió crear una buena película de suspense con sus señas de identidad, incluyendo uno de los temas más recurrentes en su filmografía: el del falso culpable.

Guy Haines es un joven campeón de tenis que mientras viaja en un tren se ve abordado por un admirador que sabe mucho sobre su vida privada por lo que se publica en las revistas de sociedad, en el trascurso de la conversación Bruno le propone a Guy un intercambio de asesinatos, él mataría a la mujer del tenista, que no le concede el divorcio y a cambio Guy tendría que matar al padre de Bruno, al que este odia porque no le deja vivir como quiere.

Hitchcock comienza la película haciendo lo que mejor sabe hacer: jugar con la cámara. Nos muestra unos pies andando en una estación de tren, dos pares de pies que se encontrarán casualmente en un choque fortuito, hasta ese momento la cámara no sube para enseñarnos a los dueños de esos pies. Este principio ya es sublime y anuncia que estamos a punto de ver una historia que merecerá la pena.

Pero el comienzo no es la única escena destacable, también nos encontramos con un momento en un partido de tenis en el que se nos muestra a los espectadores de dicho partido moviendo la cabeza todos al unísono de un lado hacia otro, en principio no se capta nada fuera de lo normal, pero cuando la cámara se acerca vemos que una persona está mirando hacia el frente, Bruno sólo tiene ojos para Guy. Otra escena memorable sin duda, es el asesinato de la mujer de Guy, este personaje se nos ha presentado como alguien despreciable, que manipula a su marido para sacarle todo el dinero posible, Hitchcock quiere que nos caiga mal y lo consigue, su muerte no nos causará turbación alguna, en cierto modo, nos fascinará ver un asesinato tan bien rodado. Hitchcock juega con el espectador como tanto le gustaba hacer, provocando que nos adentremos en nuestro lado más oscuro, sintiendo cierta empatía por un asesino.

Escena del partido de tenis

Siempre se dice que el personaje de Bruno tiene connotaciones gays, y es cierto, en aquella época un personaje gay no estaba permitido por la censura, pero Hitchcock siempre se las arreglaba para evadir dicha censura como ya hizo en La Soga, donde se vislumbra de manera bastante clara para la época, una relación homosexual entre los protagonistas.
Es curioso también el papel de la madre de Bruno, no aparece demasiado pero por lo poco que vemos de ella, sabemos que es una persona con algún problema mental, nadie con la cabeza en su sitio podría pintar el cuadro que ella le enseña a su hijo en una escena, siente predilección por Bruno y Bruno por ella, se intuye una relación madre-hijo algo enfermiza, que puede ser el verdadero motivo por el que Bruno quiere acabar con su padre, que sería un estorbo en esa relación.

En Extraños en un Tren podremos disfrutar del mejor cine de Hitchcock y de la actuación de Robert Walker que hizo un buen trabajo con un personaje que tiene muchos matices, ésta fue su penúltima película, ya que murió meses más tarde antes de acabar la que fue su última película que tuvo que ser completa con escenas descartadas de Extraños en un Tren.
Patricia Hitchcock, hija de Alma Reville y el director, trabaja en esta película interpretando un papel bastante importante y lo hace bastante bien, sin embargo nunca se dedicó a la actuación seriamente, tan sólo apareció en pequeños papeles en Psicosis y Pánico en la Escena. 
Y por supuesto, no puede faltar el cameo del director de oronda figura… esta vez aparece entrando en el tren con la funda de un instrumento tan grande como él.

En el libro “El Cine Según Hithcock”, imprescindible para cualquier cinéfilo, el director habla sobre la película con Truffaut y nos cuenta cómo en la escena de la escalera, utiliza un momento de suspense con el perro para hacer que el espectador no piense en lo que va a hacer Guy en el dormitorio, nos distrae haciendo que nos preocupemos por cómo va a evitar que el perro le muerda y no pensamos en lo que de verdad importa. Por cosas como esta Hitchock era una maestro no sólo del suspense, sino también del cine, sabía perfectamente cómo manejar todos los recursos que tenía a su disposición para influir en cómo el espectador vería la película y lo que sentiría en cada momento.

Remake

Un grupo de personas con un pasado en común se reúnen después de 20 años, al principio todo va bien, pero empiezan a surgir viejas heridas y frustraciones que ponen de manifiesto que aunque siguen siendo las mismas personas nunca podrán recuperar esos momentos felices que vivieron.

Que una película refleje unos diálogos tan naturales, tan vivos y que fluyan tan bien es algo que tiene mucho mérito, la mayoría de las películas tienen diálogos "de película", cosas que nunca diríamos en la vida real, y no me parece mal, hay algunos de esos diálogos que me encantan porque son pura ficción o fantasía, sin embargo en una historia como ésta que es absolutamente realista funciona mucho mejor el diálogo real, ver como un actor corta al otro o hablan a la vez, hace que la película sea especial y atrayente como retrato humano.

Nos retrata porque sabe reflejar los problemas generacionales que provoca la convivencia entre padres e hijos y también habla sobre una generación que tenía ideales, que vivieron en comunas, practicaron el amor libre y vivieron experiencias que no tienen nada que ver con su vida actual, el reunirse les hace recordar todo aquello y surgen los conflictos entre ellos y también con sus hijos, al final el fin de semana que parecía que iba a ser una balsa de agua de nostalgia y recuerdos perdidos se convierte en una idea nefasta.

Películas como ésta me hacen recuperar la esperanza por el cine español y sobre todo por los intérpretes, aunque a veces se echen de menos (la mayoría de los actores jóvenes españoles son pésimos), tenemos buenos actores jóvenes y mayores, como el gran Juan Diego y Alex Brendemühl, que son los que más me han impactado en esta película, aunque los demás no se quedan cortos.

El final me resultó desconcertante pero después de escuchar al director hablar sobre ello conseguí apreciarlo llegando a entender lo que pretendía.

Ponyo en el Acantilado

Sosuke, un niño de cinco años, vive en lo más alto de un acantilado que da al mar. Una mañana, mientras juega en una playa rocosa que hay bajo su casa, se encuentra con una 'pececita' de colores llamada Ponyo, con la cabeza atascada en un tarro de mermelada. Sosuke la rescata y la guarda en un cubo verde de plástico. Ponyo y Sosuke sienten una fascinación mutua. Él le dice: “No te preocupes, te protegeré y cuidaré de ti”. Sin embargo, el padre de Ponyo, Fujimoto, que en otro tiempo fue humano y ahora es un hechicero que vive en lo más profundo del océano, la obliga a regresar con él a las profundidades del mar. “¡Quiero ser humana!”, exclama Ponyo y, decidida a convertirse en una niña y regresar con Sosuke, escapa.  (La Butaca)

 

Ponyo en el Acantilado es una libre adaptación de la Sirenita realizada con la mano magistral de Hayao Miyazaki.

Ponyo llama la atención por su sencillez y por su maravillosa animación, de hecho es la película de animación con más fotogramas pintados a mano de la historia (170.000), lo que le da un toque artesanal y muy especial. En plena era digital, Miyazaki nos sigue sumergiendo en mundos creados con animación artesanal y consigue imágenes tan bellas y poéticas que no echamos de menos la animación digital en ningún momento.

La película destila inocencia y alegría, es una película para niños orgullosa de serlo, algo que no abunda ultimamente, sin embargo, los adultos sin prejuicios también pueden disfrutar viéndola, sobre todo los que conozcan el universo de Ghibli y Miyazaki. Se echa de menos algo más de profundidad en la historia, conocer por ejemplo, cómo llegó el padre de Ponyo, que es humano, a vivir en el fondo del mar, pero hay que tener en cuenta que la intención de Hayao Miyazaki esta vez no era realizar una película compleja y profunda sino una pequeña historia para niños.

A pesar de ser una película más sencilla, las constantes del cine de Miyazaki siguen estando presentes, la denuncia ecologista que ya aparecía en La Princesa Mononoke, el respeto a los ancianos, la poesía visual y un cierto toque onírico, todo esto junto da lugar a esa magia tan especial y única que tienen las historias de Hayao Miyazaki.

Mi nota:

Ver tráiler de Ponyo

Vampire Knight

Los vampiros siempre me han fascinado, cuando era pequeñita creía que un vampiro vivía debajo de mi cama y con 13 años empecé a escribir una historia de vampiros inspirada por Anne Rice y su Entrevista con el Vampiro, que en esa época me volvió totalmente loca. Con el paso de los años mi fascinación por los vampiros no ha disminuído, por eso, cuando leí que existía una anime llamado Vampire Knight pensé que tal vez me gustaría dependiendo de cómo tratara el tema vampírico, explotado hasta la saciedad, pero que si está bien contado nunca cansa.

 

SINOPSIS

 

Lo único que Yuki recuerda de su infancia es que, perdida en el bosque mientras nevaba, fue atacada por un vampiro fuera de control, situación de la que la rescató otro vampiro, Kuran Kaname. Él la llevó con Kaien Cross, quien se convierte en su padre adoptivo y más adelante, en el director de la "Academia Privada Cross". Sin embargo, la academia de élite oculta un secreto: los alumnos de la Clase Nocturna son en realidad vampiros. El director y Kuran Kaname creen que es posible una convivencia pacífica de humanos y vampiros.

 

Yuki y Zero, un chico procedente de una familia de cazadores de vampiros cuyos padres fueron asesinados por uno de ellos cuatro años atrás, son los únicos de la clase diurna que conocen el secreto y se ocupan de mantener el orden en la Academia. Zero odia a los vampiros más que a nada en el mundo, pero a su vez también oculta un gran secreto que lo tortura día a día.

Yuki siente un amor muy especial y profundo por Kuran Kaname, a la vez que le infunde gran respeto, por ser quien es, pero también siente un amor incondicional por Zero y demuestra que sería capaz de cualquier cosa para evitar que sufra. Kaname y Zero se odian pero tienen en común su amor por Yuki, además los dos ocultan secretos que poco a poco se irán revelando y cambiando el rumbo de la historia.  

En Vampire Knight los vampiros son seres elegantes,  aristocráticos, melancólicos y con un lado oscuro (como todo buen vampiro). Los alumnos de la clase de día, sobre todo las alumnas, se sienten terriblemente atraídas por los chicos de la clase nocturna, aún sin saber cual es su verdadera naturaleza, ejercen sobre ellas una atracción irresistible, lo cual da lugar a situaciones que le ponen el punto de humor a la serie.

Desde el primer momento el personaje de Kuran Kaname me fascinó, es un vampiro de una familia muy importante dentro de su raza, un sangre pura, así que todos los demás vampiros de la escuela le obececen, es el que mantiene el orden y colabora junto al director Cross para que los vampiros no muerdan a los humanos, para ello han desarrollado unas pastillas que pueden saciar la sed de sangre. Kaname es un vampiro triste, sus ojos reflejan un sufrimiento eterno cuya causa no conocemos hasta que se van desvelando los detalles de su historia.

 

Zero odio a Kaname, por ser un vampiro y también en parte, por ese amor que Yuki siente por él, algo que Zero no puede entender por su desprecio a los vampiros, a los que considera monstruos, sin embargo tendrá que enfrentarse a lo que más odia desde dentro, luchando por conservar su humanidad y por no hacerle daño a Yuki.

 

Yuki, Zero y Kaname me parecieron los personajes más carismáticos que he visto en muchos años, sobre todo Kaname, un vampiro terriblemente atrayente. La historia nunca decae, ya que en los momentos más ligeros de la serie también se mantiene el interés, pero sin duda lo mejor fueron los últimos capítulos, en los que se empieza a desvelar una serie de misterios que dan un vuelco a todo y que te hacen adorar aún más a esos personajes atormentados. El final es muy emocionante, toda la verdad ha sido desvelada y comienza una nueva etapa dejando una puerta abierta a una continuación.